Мир джазовой музыки

История

рок- музыки

…У барда стих отточен тонко

И глас, зовущий как труба,

Его звучит гитара звонко

И в песне вся его судьба…

В.Беседин

2.История возникновения авторской песни. Особенности жанра.

Авторскую песню ещё называют бардовской или самодеятельной песней. И наверное, авторская песня была всегда и своё начало этот жанр берёт в музыкальной культуре древней Руси. Всем нам известны персонажи старинных былин и сказаний – гусляры, песняры, сказатели.

Авторская песня в России имеет особый смысл, ведь на протяжении веков в русском пении на первое место ставилось слово, а потом уже музыка. Недаром при определении сущности авторской песни Б.Окуджава сказал, что это «поэзия под гитару», а В.Высоцкий называл бардов поэтами, которые исполняют свои стихи под музыку.

Авторская песня впитала в себя и русский городской романс, и кант (бытовую многоголосную песню), и крестьянские песни, и песни беспризорников… Она прошла большой и сложный путь от полного неприятия к расцвету и признанию. Жанр бардовской песни, как явление отечественной культуры нашего времени появился в 50-60х годах ХХ века. Песни, сочинённые в стройотрядах, в геолого-разведочных экспедициях, в походах, в студенческих общежитиях, начали быстро распространяться по стране. Люди разных профессий принялись писать песни. Каждый пишет о том, что его волнует. Врач и инженер размышляют о добре и зле, о смысле жизни, в песне передают свои чувства. Концерт барда – это душевный, искренний разговор, глубокая исповедь. Авторы-исполнители хотят, чтобы мы увидели мир их глазами и постарались чуточку измениться к лучшему…

Основное качество бардовской песни – это то, что за песней всегда стоит какое-то чувство, смысл, душа автора. Бардовская песня – живая песня, она спрашивает, советует, рассказывает, печалится и веселится.

Чтобы написать хорошую бардовскую песню, совсем необязательно быть профессионалом в музыке, поэзии, быть профессиональным исполнителем или гитаристом. Песне нужно отдать частичку своей души, а для этого нужно обладать гармоничной, доброй, светлой и безграничной душой.

Бардовская песня имеет многовековую историю и существует с момента появления человечества. Она имела разные названия, свои особенности, бытовала в разных странах и уголках нашей земли, и певцов называли по-разному: менестрелями (средневековый поэт-певец), ашугами (народный певец-поэт Армении и Грузии), бардами, но суть бардовской песни была и остаётся неизменной. Давайте послушаем одну притчу.

Ещё задолго до Рождества Христова на земле жили люди, которые назывались кельтами. Своих учителей они называли друидами. Перед знаниями материального и духовного миров друидов преклонялись многие народы, населявшие тогда Землю. Чтобы получить звание начальной степени друидов, избранные должны были 20 лет обучаться у жреца-друида. Пройдя испытания, обучение и посвящение избранник назывался Бардом. Теперь он имел моральное право идти в народ и петь, вселяя в людей свет и истину своей песней, формируя словами, образы, исцеляющие душу.

Бардовская песня, как никакая другая песня, способствует работе души, а следовательно, и её исцелению. Бардовскую песню, и в этом её особенность, можно воспринять только тогда, когда внимание слушателя ничем не отвлекается. Перед слушателем лишь проникновенная мелодия и образы, которые создаёт песня. Нужно полностью погрузиться в чувственно-образный мир песни, необходимо создать свои слушательские образные картины, мысли, переживания, откликнуться на песню сердцем, а для этого необходима как раз работа. Работа мысли, чувств, памяти, сердца. Работа души.

Бардовская песня – это язык сердца, души. Исполнитель бардовской песни должен донести, прежде всего, смысл песни. Ее чувства. Донести красиво, изящно, доходчиво. Это песни не для развлечения, их нельзя слушать между делом. Ни отличный вокал, ни прекрасное музыкальное сопровождение. Никакие спецэффекты не сделают песню бардовской, если не будет искренности самой песни, в ее исполнении. Исполнитель бардовской песни должен показать, прежде всего, не свой прекрасный вокал, умение петь и играть на музыкальном инструменте, хотя это и немаловажно. Он должен открыть и показать духовно богатый, чувственный мир песни, а если песня по-настоящему бардовская – она обладает этим миром.

3. Самые яркие представители авторской песни и основные темы в их творчестве.

Благодаря творчеству таких известных бардов как Булат Окуджава, Юрий Визбор, Владимир Высоцкий и других, жанр авторской песни получил имя и право на самостоятельное существование в нашей культуре.

Булат Окуджава (1924-1997) родился в Тбилиси. Когда началась война, ему было 17 лет, но он прибавил себе годы и добровольцем ушел на фронт. Воевал, в бою под Моздоком был ранен и списан в запас. Затем была учеба в Тбилисском университете, работа школьным учителем в сельской школе в Калужской области. Одновременно Окуджава писал стихи. В Калуге в 1956 году вышел его первый сборник «Лирика». Поэт хотел жить в Москве, быть в центре культурной жизни, но ему сыну репрессированных родителей, путь в Столицу долгое время был закрыт. Когда мать вернулась из лагеря, они переехали в Москву. Сначала песни поэта приобрели известность в кругу московских литераторов. А примерно с 1959 он начал выступать публично.

Ключевые слова его стихотворений: Вера, Надежда, Любовь. Его творчество отличает вера в торжество добра и справедливости.

Булат Окуджава писал песни и музыку к фильмам «Кортик», «Бронзовая птица», «Белое солнце пустыни». Всю жизнь он много работал. Много ездил по стране, бывал за рубежом. Тяжелая болезнь настигла его в Англии, куда он был приглашен на презентацию своей новой книги. Требовалась дорогостоящая операция на сердце. Не оказалось денег ни в Союзе писателей, ни в Союзе кинематографистов. Друзья и родственники поэта обратились в Лондонское книжное издательство, которое выпустило сборник стихов и песен поэта и выплатило ему гонорар. Операция прошла успешно.

Владимир Высоцкий (1938-1980)

Тема истиной дружбы, выбора друга, измены, предательства, мужества и трусости занимает важное место в авторских песнях. Сейчас прозвучит «Песня о друге» В. Высоцкого. Предлагаю вам, слушая эту песню, не только нарисовать мысленную картину всего того, о чем поется в ней, но и попытаться представить себе людей, которые были, есть или будут в вашей жизни в те моменты, когда решается чего же стоит человек на самом деле, друг он или враг, или просто так.… Как поведут они себя в экстремальной ситуации, как поведете себя вы. Но зла на предавших и слабых не держите, и, как советует Высоцкий, просто «не берите их в горы».

Песня выступает катализатором для погружения в мир чувств, эмоций, переживаний. И если вы услышите её не только ушами, но и сердцем, вы почувствуете, увидите, как песня засверкает новыми, яркими красками.Наверное, нет в России человека, который бы не знал имени Владимира Высоцкого. Его нередко и по праву называют «Сердцем бардовской песни», «обнаженной совестью эпохи». Он до сих пор оказывает огромное влияние на исполнителей авторской песни. Его манеру исполнения и общения со зрителями повторить, наверное, невозможно. Поражает многотемье и калейдоскоп человеческих характеров.

Он не был альпинистом! Но сколь поэтичны его песни о горах. Он не был на войне, но ветераны в своих письмах благодарили его за военные песни. И действительно, большое место в творчестве Высоцкого занимает тема войны. Вот что говорил об этом сам Владимир Семенович: «Я сам не воевал. Но вырос в семье военного. Поэтому эта тема мне близка. Она близка миллионам людей, ведь почти в каждой семье есть погибшие.

Есть на свете слово короткое и жестокое, за ним стоят боль и смерть. Эт слово – война! Отзвуки войны слышны и в песнях современных авторов. Наше поколение тоже принимало участие в войнах в Афганистане, в Чечне и Грузии. И совсем юные парни сочиняли песни под гитару во время затиший между боями. Предлагаю вам послушать песня «Кукушка», посвященную афганской войне.

Вот что говорил в свое время Владимир Высоцкий про бардовскую песню: «Искусства настоящего без страданий нет. И человек, который не выстрадал, творить не может. Авторская песня - тут уж без обмана, тут будет стоять перед вами весь вечер один человек с гитарой, глаза в глаза. И расчет в авторской песне только на одно – на то, что вас беспокоит точно так же, как и меня, те же проблемы, судьбы человеческие, одни и те же мысли. И точно так же вам как и мне рвут душу и скребут по нервам несправедливость и горе людское. Короче говоря. Все рассчитано на доверие. Вот что нужно для авторской песни: ваши глаза и уши и мое желание Вам что-то рассказать, а ваше желание что-то услышать».

Высоцкий написал около 600 песен. Его любят и помнят миллионы людей. Объясняется всё просто – у Высоцкого был талант. Он не только писал песни. Но и играл в театре и много снимался в кино. На его счету фильмы: «Хозяин тайги», «Опасные гастроли», «Место встречи изменить нельзя». Причем он в фильмах часто пел свои песни. Его творчество и сегодня помогает нам жить, мы заряжаемся его оптимизмом и верой в собственные силы.

Бардовская песня не пишется на заказ. Эта песня, написанная в состоянии глубокого эмоционального подъема, связанного с каким-либо стресс-фактором. Это могут быть эмоции восторженного созерцания природа, чувства горечи и разочарования, чувства гордости, уважения, радости, любви, страха, тоски, досады, ироничности и многие другие стороны душевного напряжения.

Юрий Визбор (1934 – 1983)

Юрий Визбор – личность в нашем искусстве значимая и на удивление многогранная. За свою жизнь он испытал себя во многом: был учителем, горнолыжником, живописцем, киноартистом и даже летчиком, писал рассказы, повести, стихи и песни. Ю. Визбор любил родину, ее поля, реки, горы. Любил людей, рабочих, колхозников, студентов, водителей. Для них писал и пел он свои песни. Тема любви в творчестве Визбора представлена множеством песен.

Однажды среди друзей Визбора возник спор об авторской песне, о её месте в нашей жизни. Одни пророчили авторской песне скорое забвение, так как её создают непрофессионалы, а там, где нет настоящего профессионализма, не может быть и настоящего искусства. Другие же горячо утверждали, что авторской песне обеспечена долгая жизнь. И в защиту авторской песни прочитали стихи Юрия Визбора:

Любовь моя, Россия,

Люблю,пока живу,

Дожди твои косые,

Полян твоих траву,

Дорог твоих скитанья,

Лихих твоих ребят.

И нету оправданья

Не любящим тебя.

Любовь моя, Россия,

Ты с каждым днём сильней.

Тебя в груди носили

Солдаты на войне,

Шинелью укрывали

И на руках несли,

От пуль оберегали,

От горя сберегли

Любовь моя, Россия,-

Нередко над тобой, туманы моросили

Осеннею порой,

Но ты за далью синей,

Звездой надежд живёшь,

Любовь моя, Россия,

Спасение моё.

Спор прекратился, так как не нашлось аргументов против поэтического таланта Юрия Визбора. Как нам не хватает его сейчас: умного и весёлого, прямого, смелого и бесконечно талантливого.

Песни Ю.Визбора охотно включают в свой репертуар профессиональные певцы. Юрий Визбор живет среди нас, живет в ролях, сыгранных в кино, в повестях, стихах и песнях, которые успел написать, в новой звезде, открытой астрономами и названной его именем, в горных вершинах, тоже носящих его имя.

Авторская самодеятельная песня – одно из самых массовых и демократичных видов искусства. Об этом свидетельствуют многотысячные аудитории фестивалей бардовской песни, которые проходят круглый год в самых разных уголках нашей Родины.

В истории авторской песни есть одно печальное и одновременно героическое событие, которое стало точкой отсчёта в развитии жанра. В 1967 году студент пятого курса Куйбышевского авиационного института Валерий Грушин ушёл со своими друзьями в поход на байдарках в Восточные Саяны. Проходя маршрут, ребята заметили перевернувшуюся моторную лодку с детьми. Валера бросился в ледяную воду, чтобы спасти ребят, но сам выплыть не смог… Его искали больше месяца и не нашли. Смерть Валеры потрясла институт. Он был душой компании: писал песни, пел… «Надо сохранить его песни и память о нём»,- решили его друзья. Так родился фестиваль авторской песни. Студенты продолжили дело погибшего друга. И теперь каждый год в первые выходные июля в г. Самаре проходит Грушинский фестиваль авторской самодеятельной песни. Приезжают на него люди со всей России и везут свои песни. Фестиваль стал экзаменом и для многих ныне известных авторов-исполнителей. В разные годы частниками Грушинского фестиваля были Б.Окуджава, В.Высоцкий, Ю.Визбор, С.Никитин, О.Митяев и другие замечательные барды.

Сцена Грушинского фестиваля сделана в форме гитары. И не случайно. Гитара, как никакой другой инструмент, подходит для бардовской песни. Лиричная, задушевная, мягкая, проникновенная, искренняя, она хороша и в узком кругу друзей, и в шумных концертных залах, и в туристическом походе у костра. Кто-то из великих музыкантов сказал, что любой другой инструмент нарушает тишину, а гитара её создает. Ну а бардовской песне как раз необходима тишина – для разговора по душам. А освоить аккомпанемент для пения под гитару может фактически каждый.

Великие оперные певцы мира

Жанры вокальной музыки

Известные оперные певцы мира - это основа всего классического вокального искусства. Успешное исполнение арий зависит от уровня мастерства, которое формируется годами. Как правило, известные оперные певцы начинали заниматься музыкой в детские годы, проходили обучение в школе музыкальной, а затем в консерватории. Особо одаренные отправлялись на стажировку в "Ла Скала" - Миланский Оперный театр, который является своеобразной "меккой" вокального искусства. На легендарной сцене исполнялись произведения великих композиторов, таких как Доницетти, Джузеппе Верди, Беллини, Джакомо Пуччини. Самые известные оперные певцы исполняли на сцене "Ла Скала" арии из "Мадам Баттерфляй", "Турандот" и других шедевров оперного искусства. Миланский театр был основан в 1778 году и с тех пор является великолепной школой для начинающих исполнителей.

Признание публики

Свой вклад в мировую культуру известные оперные певцы вносят, выступая на самых престижных сценах при переполненных залах. Оперное искусство с каждым днем становится все более популярным, интерес к нему растет во всем мире. Публика старается не пропустить ни одного спектакля, в котором участвуют известные оперные певцы и певицы. А после представления благодарные зрители преподносят исполнителям букеты цветов, тем самым выражая свое восхищение.

Популярность артиста открывает ему двери в самые престижные театры мира, такие как Метрополитен-опера в Нью-Йорке, Венский оперный театр или Большой театр в Москве. Контракты при этом заключаются обычно на несколько сезонов сразу.

Спектакли с участием признанных исполнителей нередко расписаны на год вперед, зрители могут ознакомиться с репертуаром заранее, в январе приобрести билет на представление, которое запланировано, к примеру, на август и, таким образом, встретиться с полюбившимся певцом или певицей. Знатоки оперного искусства знают все мировые шедевры наперечет и могут выбирать исполнителя на свой вкус.

Самые известные оперные певцы мира

Талантливые исполнители, признанные мастера вокала, составляют опеределенную творческую группу. Известные оперные певцы - это, прежде всего, солисты, несущие высокое искусство в массы. Витруозное исполнение арий является их "визитной карточкой", публика ходит на Пласидо Доминго, Марию Биешу или Дмитрия Хворостовского.

Бывают случаи, когда высокое искусство сводит вместе талантливых исполнителей из категории "знаменитые оперные певцы". Так было, когда образовалось великолепное трио – Паваротти Лучано, Хосе Каррерас и Пласидо Доминго. Самые непревзойденные, знаменитые оперные певцы, три тенора, стали выступать вместе, чем произвели настоящий фуррор в мире музыки. Публика с восторгом и благодарностью приняла совместное творчество мэтров.

Лучано Паваротти

Оперный певец итальянского происхождения, обладающий лирическим тенором, являлся одним из самых знаменитых исполнителей 20-го века. Благодаря вокальному мастерству, необычайной легкости звукоизвлечения, жизнерадостному характеру Паваротти стал звездой сцены в возрасте 24 лет. Популярности способствовали частое появление в телевизионных программах, а также публикации в прессе.

Лучано был одним из немногих оперных певцов, которые участвовали в мероприятиях, посвященных поп-музыке. Он с удовольствием пел шансон, шлягеры модных композиторов - и все это в сопровождении шутливых реприз и юморесок. У Паваротти было много друзей в мире рок-музыки, он неоднократно проводил совместные концерты, которые назывались "Паваротти и друзья". Однако при этом певец неизменно оставался в своем основном статусе - академического исполнителя.

Лучано Паваротти активно занимался благотворительной деятельностью и даже был неоднократно отмечен наградами итальянского правительства за участие в проектах по сбору средств для политических беженцев и организации "Красный Крест". Певец за более чем сорокалетнюю карьеру успел сделать много в оперном искусстве, его имя навечно вписано в Золотой фонд мировой культуры.

Хосе Каррерас

Каррерас Хосе, оперный певец испанского происхождения (тенор), родился в 1946 году в Барселоне. Обладает уникальным тембром голоса. Широко известны его интерпретации произведений Джакомо Пуччини и Джузеппе Верди. В 1972 году впервые выступил на американской сцене в опере Пуччини "Чио-Чио-сан", в роли главного героя, лейтенанта Пинкертона.

Спустя два года Каррерас сыграл роль герцога Мантуанского в опере Джузеппе Верди "Риголетто".

К 28 годам певец исполнил более двух десятков ролей оперного классического репертуара. А в 1987 году Хосе Каррераса настигла страшная беда: врачи диагностировали у него рак крови. Острая лейкемия прервала карьеру певца более чем на год. В конце концов болезнь отступила, а Каррерас организовал фонд для содействия исследованиям в области лечебных методик против рака.

После выздоровления Хосе отправился в Москву, где принял участие в благотворительном концерте, посвященном землетрясению в Армении, совместно с Монсеррат Кабалье. Впоследствии тенор не раз приезжал в Россию с гастролями. Закончил Хосе Каррерас свои выступления на оперной сцене в 2009 году.

Пласидо Доминго

Знаменитый лирико-драматический тенор, оперный певец испанского происхождения. Родился в 1941 году. Является дирижером-постановщиком в Опере Лос-Анджелеса и Вашингтонской опере. Входит в тройку самых известных теноров мира, вместе с Хосе Каррерасом и Лучано Павароттти.

свою более чем полувековую карьеру Пласидо Доминго исполнил 140 оперных партий, что определяет его безусловное первенство. Кроме того, певец часто участвует в представлениях, находясь за дирижерским пультом. Записано более 100 оперных спектаклей с его участием, где Доминго выступает солистом, а также поет дуэтом. 21 раз великий тенор открывал сезон в Метрополитен-опера, опередив в этом самого Энрике Карузо.

Исполнители с мировой известностью

Расцвет оперного искусства пришелся на 20-й век. Все наиболее значительные произведения был исполнены в 30-х годах прошлого столетия. Практически все популярные оперные певцы мира участвовали в музыкальных спектаклях 20-го столетия. Их успешность определялась публичным признанием. Однако во второй половине 19-го века также были известные оперные певцы. Многие из них прожили долгую, плодотворную жизнь.

Исполнители классической музыки 19-го века

В списке фамилии известных оперных певцов позапрошлого века:

Ирена Абендрот (1872-1932), сопрано. Выступала в Венской опере.

Паскуале Амато (1878-1942), баритон. Выступал в Миланской опере "Ла Скала" и нью-йоркском театре Метрополитен-опера.

Карел Буриан (1870-1924), тенор. Выступал в Венской опере.

Эудженио Бурцио (1872-1922), сопрано. Являлась солисткой "Ла Скала".

Давыдов Александр (1872-1944), русский тенор. Выступал во многих оперных театрах.

Мария Долина (1868-1919), контральто. Солистка Мариинского театра.Исполнители 20-го века

В следующем списке фамилии известных оперных певцов 20-го века :

Елизавета Шумская (1905-1987), сопрано. Большой театр, Москва.

Готлоб Фрик (1906-1994), бас. Дрезденская опера, Ковент-Гарден.

Татьяна Троянос (1938-1993), меццо-сопрано. Метрополитен-опера.

Иван Петров (1920-2003), бас. Большой театр.

Джесси Норман, род. 1945 г., сопрано. "Ла Скала".

Хосе Каррерас, род. 1946 г., тенор. Все мировые оперные театры.

Мария Каллас (1923-1977), сопрано. Метрополитен-опера.

Монсеррат Кабалье, род. 1933 г., сопрано. Ковент-Гарден.

Марио дель Монако (1915-1982), тенор. Мировые оперные театры.

Известные русские оперные певцы

На протяжении 20-го века в России сменилось несколько поколений талантливых исполнителей.

Сегодня известные оперные певцы России составляют значительную часть Золотого фонда русской музыкальной культуры.

Легендарный бас России

Шаляпин Федор Иванович (1873-1938) - русский оперный певец, обладавший необыкновенно сильным басом, солист Большого театра в Москве и нью-йоркского театра Метрополитен-опера. Народный артист, являлся художественным руководителем Мариинского театра в Ленинграде. Всесторонне одаренный, он занимался графикой, скульптурой и живописью. Оказал огромное влияние на развитие мирового оперного искусства.

Сопрано

Вишневская Галина Павловна (1926-2012) - оперная певица России, обладающая сопрано уникальной чистоты, актриса, театральный режиссер и педагог. Награждена орденом "За заслуги перед Отечеством". Всю свою долгую жизнь занималась плодотворной деятельностью, с 2006 года являлась председателем жюри Международных конкурсов оперных артистов. Тогда же Галина Вишневская сыграла в фильме Сокурова "Александра", проявив себя как талантливая драматическая актриса.

Казарновская Любовь Юрьевна родилась в 1956 году. Оперная певица России, сопрано. Окончила Московскую консерваторию и Институт Гнесиных. Профессор, доктор наук. Дебютировала в роли Татьяны Лариной в "Евгении Онегине" Петра Ильича Чайковского. Исполняла ведущие партии в "Паяцах", "Иоланте", "Богеме" и многих других операх. Была солисткой Мариинского театра с 1986 по 1989 г.

Нетребко Анна Юрьевна - оперная певица России, сопрано. В 1993 году была приглашена на работу Валерием Гергиевым, главным дирижером Мариинского театра. В 2002 году Анна Нетребко впервые выступила в Нью-Йорке на сцене театра Метрополитен-опера. В настоящее время Нетребко выступает в спектаклях ведущих оперных театров Европы и США.

Меццо-сопрано

Елена Васильевна Образцова родилась в 1939 году. Обладательница голоса меццо-сопрано, оперная певица Российской Федерации. Народная артистка Советского Союза, педагог по вокалу. Лауреат Ленинской премии 1976 года. В 1990 году удостоена звания Герой Соцтруда. Годом ранее, во время гастрольной поездки по городам Америки, певица произвела фуррор, выступив в роли Марины Мнишек в опере "Борис Годунов", после чего стала звездой оперной сцены.

Архипова Ирина Константиновна (1939-2010) - оперная певица, обладательница голоса меццо-сопрано, актриса и педагог, Народная артистка Советского Союза, Герой Соцтруда, Луареат Ленинской премии. Мировую известность Ирина Архипова получила за блестящую интерпретацию партии Кармен благодаря своему дару сценического перевоплощения. С 1956 по 1988 год была солисткой Большого театра.

Знаменитые теноры первой половины 20-го века

Иван Козловский (1900-1993) - оперный певец, обладающий лирическим тенором, режиссер-постановщик. Герой Соцтруда, Народный артист Советского Союза. Лучшие работы: герцог в опере "Риголетто", индийский гость в опере "Садко", Ленский в "Евгении Онегине", юродивый в опере "Борис Годунов" (эта роль считается лучшей ролью Ивана Семеновича).

Сергей Лемешев (1902-1977) - русский оперный певец, обладающий лирическим тенором. Лауреат премии имени Сталина, Народный артист Советского Союза, режиссер и педагог. С 1931 года солист Большого театра. Исполнил арию графа Альмавива в опере "Севильский цирюльник", герцога в "Риголетто", звездочета в "Золотом петушке", индийского гостя в "Садко". В 1951 году Сергей Лемешев выступил в качестве режиссера оперы "Травиата" в Ленинградском оперном театре. Затем, в 1957 году, Лемешев стал режиссером-постановщиком оперного спектакля "Вертер" Массне и исполнил в нем главную роль.

Сибирский самородок

Хворостовский Дмитрий Александрович - оперный певец, баритон. Родился в 1962 году в Красноярске. Является Народным артистом России. Участвует в многочисленных музыкальных проектах по всему миру, среди которых опера "Дон-Жуан", поставленная в Женеве, и спектакль "Любовный напиток" Доницетти - в Метрополитен-опера.

Дмитрий Хворостовский не останавливается на достигнутом в области оперного искусства, он активно сотрудничает с композиторами, которые пишут музыку современности, вальсы, патриотические песни, лирические произведения. У певца есть цикл песен военных лет, которые были созданы в разное время. Среди них "Дымилась роща под горою" (композитор В. Баснер, слова М. Матусовского), "Эх, дороги!" (музыка А. Новикова, стихи Л. Ошанина), "Темная ночь" (музыка Н. Богословского, стихи В. Агатова), "Русское поле" (музыка Я. Френкеля, слова И. Гофф) и многие другие.

Вокальное мастерство сегодня

Известные оперные певцы России - это желанные гости на праздниках искусства. За многолетнюю историю оперы в российском государстве уже сменилось несколько поколений талантливых исполнителей. Нынешнее поколение продолжает радовать публику. Оперное искусство по-прежнему востребовано во всем мире.

Балет - загадка, что не знает слов...

Балет — искусство довольно молодое. Ему немногим более четырехсот лет, хотя танец украшает жизнь человека с древнейших времен. Родился балет в Северной Италии в эпоху Возрождения. Итальянские князья любили пышные дворцовые празднества, в которых танец занимал важное место.

Термин «балет» появился в конце XVI века (от итальянского balletto — танцевать). Но означал он тогда не спектакль, а лишь танцевальный эпизод, передающий определенное настроение. Такие «балеты» состояли обычно из мало связанных между собой «выходов» персонажей — чаще всего героев греческих мифов. После таких «выходов» начинался общий танец — «большой балет».

Первым балетным спектаклем-представлением стал «Комедийный балет Королевы», поставленный в 1581 году во Франции итальянским балетмейстером Бальтазарини ди Бельджойозо. Именно во Франции происходило дальнейшее развитие балета.

В царствование Людовика XIV спектакли придворного балета достигли особого великолепияВ 1661 году он создал Королевскую академию музыки и танца, в которую вошли 13 ведущих танцмейстеров. Их обязанностью стало сохранение танцевальных традиций. Директор академии, королевский учитель танцев Пьер Бошан, определил пять основных позиций классического танца.

Вскоре была открыта Парижская опера, балетмейстером которой был назначен тот же Бошан. Под его началом была сформирована балетная труппа. На первых порах в ее составе были одни мужчины. Женщины на сцене Парижской оперы появились лишь в 1681 году.

К середине XVIII века балет завоевывал большую популярность в Европе. Все аристократические дворы Европы стремились подражать роскоши французского королевского двора. В городах открывались оперные театры.

Вскоре под влиянием моды женский балетный костюм стал значительно легче и свободнее, под ним угадывались линии тела. Танцовщицы отказались от обуви на каблуке, заменив ее на легкие бескаблучные туфельки.

Каждое новшество делало танцы осмысленнее, а танцевальную технику — выше. Постепенно балет отделился от оперы и превратился в самостоятельное искусство.

В 1738 году открылась первая в России балетная школа, и через три года 12 мальчиков и 12 девочек из дворцовой челяди стали первыми в России профессиональными танцовщиками.

В начале XIX века русское балетное искусство достигло творческой зрелости. Балет в это время занял привилегированное положение среди других видов театрального искусства. Власти уделяли ему большое внимание, предоставляли государственные субсидии. Московская и петербургская балетная труппы выступали в хорошо оборудованных театрах, а выпускники театральных училищ ежегодно пополняли штат танцовщиков, музыкантов и декораторов.

Новый этап в истории русского балета начался, когда великий русский композитор П. Чайковский впервые сочинил музыку для балета. Это было «Лебединое озеро». До этого к балетной музыке серьезно не относились. Она считалась низшим видом музыкального творчества, всего лишь аккомпанементом к танцам.

Благодаря Чайковскому балетная музыка стала серьезным искусством наряду с оперной и симфонической музыкой.

В 1908 году начались ежегодные выступления артистов русского балета в Париже, организованные театральным деятелем С. П. Дягилевым. Имена танцовщиков из России — Вацлава Нижинского, Тамары Карсавиной, Адольфа Больма — стали известны во всем мире. Но первым в этом ряду стоит имя несравненной Анны Павловой.

Павлова — лиричная, хрупкая, с удлиненными линиями тела, огромными глазами — вызывала в памяти гравюры с изображением романтических балерин. Ее героини передавали чисто русскую мечту о гармоничной, одухотворенной жизни или тоску и грусть о несбывшемся. «Умирающий лебедь», созданный великой балериной Павловой, — поэтический символ русского балета начала XX века.

140 лет назад состоялась премьера балета П.И. Чайковского «Лебединое озеро» (1877).

Фантастический балет в трёх актах, четырёх картинах

Музыка: Пётр Ильич Чайковский
Хореография: Мариус Петипа и Лев Иванов ( 1895 г.)
Либретто: Владимир Бегичев, Василий Гельцер
Продолжительность: 2 часа 30 минут (спектакль идет с двумя антрактами)

Премьера: 20 февраля 1877 года, Большой театр, Москва. Премьера редакции Мариуса Петипа: 15 января 1895 года, Мариинский театр, Санкт-Петербург.

«Лебединое озеро» - едва ли не самый известный балет в мире. Не только его музыка, но и хореография уже на протяжении долгого времени считается общепризнанным шедевром мирового балета, одним из ярчайших достижений русской культуры. А Белый Лебедь навсегда останется символом Русского балета, символом его красоты и величия.

Премьера балета, с которой началась его славная история, состоялась 15 января 1895 года на сцене Мариинского театра в Санкт-Петербурге. Но мало кто знает, что это была не первая постановка «Лебединого озера».

История балета началась в 1875 году, когда по заказу Большого театра Москвы молодой, но уже знаменитый композитор Пётр Ильич Чайковский пишет музыку к балету. Обращение композитора такого уровня (а к тому времени Чайковским уже были созданы четыре симфонии, знаменитый ныне концерт для фортепиано с оркестром и опера «Евгений Онегин») не было обычным для того времени. Чайковский не ставил перед собой задачу «революции» в балете. Со свойственной ему скромностью он тщательно изучал балетные партитуры, стремясь, не порывая с установившимися формами и традициями балетных спектаклей, изнутри насытить их музыкальную основу высокой содержательностью. Но теперь общепризнанно, что именно «Лебединое озеро» открыло отечественному балету невиданные музыкальные горизонты, развитые впоследствии и самим Чайковским и его последователями в этой сфере.

Музыка сочинялась с мая 1875 по апрель 1876 года. В основе балета лежал сказочный сюжет из рыцарских времён. Существует немало мнений о его литературных источниках: называют Гейне, немецкого сказочника Музеуса, русские сказки о девушке-лебеди и даже Пушкина, но сама история вполне самостоятельна. Идея, вероятно, принадлежит самому композитору, но авторами либретто считаются инспектор московских театров Владимир Бегичев и артист балета Василий Гельцер.

Премьера спектакля состоялась 20 февраля 1877 года, но, увы, оказалась крайне неудачной. К сожалению, неудача этой постановки бросила тень и на сам балет, и долгое время никто из хореографов к нему не обращался.

Всё изменилось после смерти Петра Ильича Чайковского. В 1893 году в Мариинском театре в Санкт-Петербурге было принято решение о возрождении «Лебединого озера». За переработку либретто взялись брат композитора Модест Чайковский и директор Императорских театров Иван Всеволожский. Из музыки Чайковского опытный капельмейстер Рикардо Дриго скомпоновал совершенно новое произведение. А хореографию поделили прославленный балетмейстер Мариус Петипа и его ученик Лев Иванов.

Принято считать, что именно Мариус Петипа создал неповторимую хореографию балета, но истинно русским и напевным сделал его скромный помощник мэтра, Лев Иванов. Именно ему принадлежит постановка совершенных в хореографическом плане знаменитых лебединых сцен. Именно он придумал заколдованных девушек со скрещенными на тюниках руками и склонёнными головами, в которых зритель мгновенно угадывал силуэт сложившей крылья птицы. Именно Лев Иванов создал неуловимо притягательный и трогательный мир озера лебедей.

Именно эта постановка была признана лирической вершиной русского балетного театра.

27 мая 2001 на сцене Эрмитажного театра Государственного Эрмитажа состоялась премьера балета «Лебединое озеро» в сценической и хореографической редакции Константина Сергеева.

В 1950 году на сцене Мариинского театра известный танцовщик и блистательный хореограф Константин Сергеев «обновил» «Лебединое озеро». Трагическая гибель, столь важная для замысла Чайковского, была заменена «хэппи-эндом», что было так важно для постановок советского периода. Вторая картина дополнилась танцем больших лебедей, а в сцене бала была расширена и переработана мужская вариация.

В нём, как ни в одном другом балете, своё танцевальное и артистическое мастерство демонстрировали десятки превосходных исполнителей главных

партий: от Натальи Дудинской до Ульяны Лопаткиной, от Вацлава Нижинского до Фаруха Рузиматова.

На сцене Эрмитажного театра в партиях Одетты-Одиллии и Принца Зигфрида в разное время блистали: Дмитрий Завалишин, Александра Иосифиди, Юлия Махалина, Игорь Зеленский, Татьяна Фролова, Евгений Сердешнов, Ирина Бадаева, Фетон Миоцци, Анастасия Волочкова, Евгений Иванченко.

Сегодня партии Одетты-Одиллии и Принца Зигфрида исполняют ведущие солисты Эрмитажного театра: Татьяна Ткаченко, Сергей Попов, Наталья Потехина, Владимир Изнов, Валерия Васильева, Дмитрий Дмитриев, Алёна Клочкова, Олег Харюткин, Мария Якшанова, Юрий Миров.

«Лебединое озеро» - несомненно, одна из самых ярких жемчужин в коллекции Эрмитажного театра. И вот уже на протяжении многих лет этот балет остаётся в памяти зрителей как прекрасная легенда о любви.

«Любителями и знатоками музыки не рождаются, а становятся…

Чтобы полюбить музыку, надо, прежде всего её слушать…»

Д. Д. Шостакович

Дмитрий Дмитриевич Шостакович

Дмитрий Шостакович родился 25 сентября 1906 года в Петербурге, в интеллигентной, гостеприимной и музыкальной семье. В их доме часто звучала музыка, устраивались любительские концерты.

Мать – Софья Васильевна была профессиональной пианисткой, закончила Петербургскую консерваторию по классу фортепиано, именно она стала первой учительницей музыки своего сына.

Отец - Дмитрий Болеславович был инженером-химиком, но горячо любил музыку и прекрасно пел романсы и народные песни, выступая на домашних вечерах.

Когда Шостакович был маленьким, его называли Митя. В детстве он любил слушать, как играла его мама.

Софья Васильевна начала учить Митю фортепианной игре только потому, что стремилась всех своих троих детей приобщить к музыке.

Митя быстро выучивал наизусть музыкальные произведения - «само запоминалось». И представьте себе, что в сентябре он уже дал свой первый концерт, исполняя «Детский альбом» П.И. Чайковского.

Незаурядные способности мальчика были многими замечены, и на одном из музыкальных вечеров, он был представлен известному композитору, директору Петроградской консерватории Александру Константиновичу Глазунову, который очень внимательно отнесся к начинающему музыканту, называя его новым Моцартом. Глазунов посоветовал ему всерьез заняться композицией, считая ее основным призванием талантливого юноши, обладающего необыкновенной музыкальностью, прекрасной памятью, тонким слухом.

Шостакович, став студентом консерватории, начал учиться сразу по двум специальностям - в классе фортепиано у Леонида Владимировича Николаева и в классе композиции у Максимилиана Штейнберга.

Занятия в консерватории шли успешно. Дмитрий занимался музыкой не щадя сил и здоровья. Уже через год директор консерватории Глазунов в своих экзаменационных отзывах писал о Шостаковиче: «...выдающееся музыкальное и виртуозное дарование» и вывел 5+ по гармонии и фортепиано.

1920г. именно он и обозначил начало профессиональной композиторской деятельности.

В июне 1923 года Дмитрий Шостакович блестяще закончил консерваторию по классу фортепиано, а в 1925 по классу композиции. Его дипломная работа «Первая симфония» фа минор принесла юноше широкую известность, славу и успех.

Начиная свой творческий путь 19-летний Шостакович сказал: «Я буду работать, не покладая рук в области музыки, которой я отдам всю свою жизнь». Это юношеское обещание композитор выполнил только благодаря своей целеустремленности, организованности, трудолюбию и вере в себя.

Д.Шостакович пробует себя в разных жанрах.

Созданы произведения:

Симфонии №2,№3.

Оперы: «Нос», «Леди Макбет».

Балеты: «Золотой век», «Болт».

В январе 1936 года в газете «Правда» - была опубликована статья «Сумбур – вместо музыки», где в грубой форме подвергалась разгрому его опера «Леди Макбет».

Для композитора это стало ударом, но он продолжал создавать симфоническую музыку.

Яркий пример – «Симфония №7», написанная вначале в Ленинграде, потом в Куйбышеве ( куда композитор был эвакуирован).

Седьмая симфония Шостаковича прозвучала в блокадном Ленинграде, когда враг стоял в нескольких километрах от Дворцовой площади, именно это произведение сыграло огромную роль в поднятии духа советского народа в борьбе над фашизмом.

А вы знаете, что одно из первых исполнений произведения состоялось в Белебее. 12 декабря 1942г.

Слайд №19.

В начале ВОВ было принято решение о передислокации Военно-политической академии в Уфу. В 1941г. Она была переведена в г. Белебей.

Были предоставлены три школы, одна из них – Первая средняя школа.

Учились по 12-14 часов. Особое место занимал духовой оркестр. Руоводитель - капитан Иван Васильевич Петров.

12 декабря 1942 года г. Белебей стал свидетелем поистине исторического события. В небольшом провинциальном городке зазвучала «Седьмая симфония».

На концерте присутствовал сам Д.Д.Шостакович ( находился в эвакуации в Куйбышеве). Зал стоя приветствовал композитора (в клубе Военно – политической академии).

«…Первые же звуки музыки наполнили душу таким чувством. Что трудно было выразить словами» - вспоминает А.Д.Маслова.

…Мы словно перенеслись на фронт, где шла битва с врагами. Оркестр замолчал, в зале – тишина, а потом грянул гром аплодисментов. Зрители аплодировали стоя. Не отрывая глаз от сцены, где находился композитор Д.Шостакович, дирижер И.В.Петров и начальник академии Щербаков.

Д.Шостакович поблагодарил руководство за теплый прием, признался. Что ехал в Белебей с трудной миссией, «…ибо готовился отругать за профанацию произведения, отнюдь не предназначенного для духового оркестра, но теперь я совершенно потрясен,- сказал он, я не предполагал, что можно исполнить произведение духовым оркестром с таким мастерством…»

После войны композитор стал преподавать в консерватории. (Среди его учеников был М.Ростропович.) Его ученики называли Шостаковича своим музыкальным отцом.

С 1948 года им были созданы:

Опера «Великая дружба» (которое повлекло за собой осуждение со стороны правительства. Многие произведения были под запретом.)

«Из еврейской народной поэзии», «Четвертый квартет», «Первый концерт для скрипки с оркестром». ( произведения рассказывают о трагических событиях эпохи).

Симфонии №13,14,15 – наследие музыки xx века.

Все перипетии не могли не сказаться на его здоровье. Он перенес два инфаркта и скончался в Москве в 1975 году.

Слайд№23

Д.Д.Шостакович — один из самых исполняемых в мире композиторов. Высокий уровень композиторской техники, способность создавать яркие и выразительные мелодии и темы, мастерское владение полифонией и тончайшее владение искусством оркестровки, в сочетании с личной эмоциональностью и колоссальной работоспособностью, сделали его музыкальные произведения яркими, самобытными и обладающими огромной художественной ценностью.